Para su primera exposición individual en Gaga, Guadalajara, Heji Shin ha producido una nueva serie de fotografías “abstractas”. A primera vista, sus nuevas imágenes carecen de cualquier contenido reconocible, compuestas de salpicaduras brillantes, enjambres de manchas amarillas y rayos luminosos, sugiriendo una guerra de alta tecnología nocturna o sistemas estelares remotos de ciencia ficción. De hecho, estas son imágenes de luciérnagas, fotografiadas en Tlaxcala, México, durante su temporada de apareamiento de primavera-verano. Al fotografiar al aire libre en campos al anochecer, el enfoque de Shin aquí es la bioluminiscencia, o la vida sexual de los insectos. Sus composiciones saturadas, pictóricas y omnipresentes capturan el lenguaje corporal codificado de los insectos llamando a sus parejas. Estos son espacios hechos de señales.

En el texto de Pier Paolo Pasolini de 1975, “La desaparición de las luciérnagas”, la extinción de las poblaciones de luciérnagas en Italia sirve como una metáfora de los cambios no analizados en el poder político desde la Segunda Guerra Mundial, marcando el surgimiento de un nuevo fascismo tecnocrático post- fascista después de 1968. Él quería decir que la desaparición de las luciérnagas debido a la contaminación lumínica y los pesticidas era un efecto de una pulsión de muerte planetaria, consumista y capitalista, que de otro modo permanecía inconsciente y no escrita en la prensa. La bioluminiscencia, entonces, como un silencioso análisis político de estos extraños nuevos tiempos. La luz extinguida de las luciérnagas señala un fin del mundo que aún no vemos venir. Lenguaje de insectos diciendo lo impensable humanamente.

Los rituales de apareamiento de las luciérnagas son como una melodía que brilla en la oscuridad, un intercambio codificado entre machos y hembras al final del día. Su conversación luminosa dura breves diez minutos después de la puesta del sol, un preludio a la oscuridad. Mientras tanto, la vida media de una luciérnaga es de dos meses. Es una transmisión intensa, delicada y efímera, y la fotógrafa se sumerge en este tempo no humano para capturar imágenes abstractas antes de que caiga la noche y la señalización se detenga.

Las luciérnagas emiten una luz fría que no genera calor, solo patrones rítmicos. La reproducción es el mensaje, y la copulación extiende el código: el éxtasis de la comunicación. Pasolini dijo que cambiaría toda la red energética por una sola luciérnaga. Pero una sola luciérnaga solo estaría parpadeando en el vacío, sin recibir respuesta. La inteligencia de enjambre es un comportamiento global que permanece desconocido para los agentes individuales que la hacen emerger. Mientras tanto, en nuestros cielos nocturnos, el sistema satelital Star Link en expansión de Elon Musk roba la luz de las estrellas con contaminación lumínica impulsada por cohetes, superándolas y desorientando para siempre la vida en la Tierra. Ahora tenemos un nuevo sistema de guía, nuestro espejo en el cielo. Nosotros destellamos y él destella de vuelta. Las nuevas imágenes de Heji Shin muestran un sistema complejo y viviente hecho de cuerpos y luz, comunicándose y copulando al borde de la extinción.

John Kelsey NY NY

Ethan Assouline

Lire dans la fin du monde (Reading into the end of the world), 2024
Lire dans la fin du monde (Reading into the end of the world), 2024

Personas, solas o en pequeños grupos, leyendo mientras el mundo se desmorona. Aún preguntándose si las palabras o el lenguaje pueden salvar el planeta. Absortos cómodamente en su actividad, reclamando tiempo libre, tratando de dar sentido al mundo o simplemente dejándose llevar.

Sex With The City, 2024

Un grueso libro ilustrado de gran formato se convierte en el lugar para un collage relacionado con una relación obsesiva con la ciudad y con la idea de ser perjudicado por su organización del tiempo, dinero y relaciones sociales. El mensaje aquí, sin embargo, es un desvío o reapropiación lúdica para sugerir el posible advenimiento de relaciones alternativas.

Nina Könnemann

What’s New, 2015

Un video, proyectado en una pantalla independiente, filma cómo los hombres desaparecen detrás de vallas publicitarias. Si no fuera por rápidos “reality checks/despertar a la realidad” – cortes abruptos donde somos llevados a los eventos o lugares reales anunciados – ni siquiera nos molestaríamos en considerar su contenido deficiente (comercial, cultural, político. Lo que está sucediendo alrededor y detrás de las vallas publicitarias, la manera en que los cuerpos las ignoran y las pasan por alto, apropiándose de una especie de brecha en el “espacio público” para convertirla en un urinario al aire libre, y la forma en que el dispositivo se duplica aquí, en su exhibición, es mucho más impactante.

Stroom, 2012

Video para sala designada de fumadores
Stroom fue presentado como parte de la muestra individual del artista en 2012 en Gaga, la cual trató, entre otros temas, con los lamentables residuos de espacios públicos – intermedios – en los que los fumadores han quedado para deambular desde que se prohibieron los cigarrillos en las aceras de los centros corporativos de muchas partes del mundo.
Stroom tiene la duración que tarda un cigarrillo en consumirse. Se presentó en una sala diseñada como un área especial para fumar dentro del espacio de la galería y funcionó como una ventana artificial, un lugar que de otro modo estaría ausente sobre el cual posar la mirada.
Tomas de tipo dron de turbinas eólicas y remolinos de humo se alternan. Algo en el ritmo y la edición resulta amenazador de una manera extraña. La animación por computadora del “arroyo” se siente tan resbaladiza e intensa como algunas de las imágenes generadas por IA más recientes. Y los loops de humo del cohete evocan todo tipo de proyectos megalómanos de naves estelares de la actualidad.

Matthew Langan Peck

PV trunk 2024
Fence 3, 2024
Press Pause 1, 2024
Player 2, 2024

Baúles y cajas, a la vez ruidosos y mudos, llenos y huecos, ocupan el espacio. Con su franqueza suave, las visiones y paisajes que los adornan -bañistas, exhortaciones a desaparecer, o más literalmente una cerca transparente sobre un cielo abierto- se asemejan a lo que uno experimenta al circular por el flujo aparentemente interminable de las redes sociales, y los espacios/mundos/fantasías/proyecciones que simultáneamente alimenta y regurgita de manera caleidoscópica. Transferidos y hechizados con pintura, y aunque representan lo contrario, las narrativas comienzan a encarnar e inscribir ideas de contención. Dar la vuelta a las obras para tratar de unir estas capas disonantes solo las hace más inquietantes: los baúles no se abren y los bordes de las cajas parecen separarse mientras que los paneles de madera de los que están compuestos no se encuentran. Combinadas con fantasías no resueltas -o ecuaciones de vida-, estos espacios y aberturas infra delgadas, como fallas, son donde residen las tensiones primarias de las esculturas. En la pieza sonora, grabada en español, aparece un narrador que especula sobre otras rutas de salidas.

Genoveva Filipovic

El Súper Elástico, 2024
6 drawings Untitled, 2024

Primero, hubo un dibujo (bolígrafo y pintura acrílica roja y azul sobre papel de un coche de carreras derritiéndose, transformándose en el paisaje por el que conduce. Luego, el deseo de intentar traducir esta visión fluida y bidimensional en un volumen y ver qué hace esa operación de materialización y transformación adicional en una escultura blanda. Han surgido tres variaciones sólidas y están encontrando su lugar en el espacio tridimensional de la galería.

Chung and Maeda

12 phorographs Untitled, 2014

En su exposición de 2015 en Gaga en México, Chung y Maeda presentaron una serie de fotografías tomadas en su exposición de 2009 Dead Corner [When Buffeted], en Isabella Bortolozzi en Berlín. Para esa muestra, dejaron vacío el espacio del siglo XIX de la galería, excepto por armarios triangulares voluminosos colocados en cada esquina de las salas de forma extraña. Estas piezas de mobiliario tradicionales y acogedoras parecían encajar tan perfectamente en el interior de época de paneles de madera oscura que casi eran absorbidas por el espacio, permitiendo que la galería se exhibiera a sí misma. Fragmento de « Rules, strategies and conventions; role-play, photographs and cupboards », Kirsty Bell, en Frieze, noviembre 2010.
Sin embargo, las fotografías de la serie presentadas no son vistas de la instalación. Y a través del acto de fotografiarlas, los armarios a-históricos, inicialmente desprovistos de cualquier propósito evidente, emergen como algo más que accesorios: los diversos ángulos, primeros planos a veces antropomorfizándolos, a veces evocando las interpretaciones de la vida secreta de los artefactos de Louise Lawler. Relleno vacío.

Antek Walczak

Bright Ideas Lightbox (Advil), 2008
Hurricane Bree, 2013
Hurricane Duane, 2013

Fragmento del comunicado de prensa de la exposición War Pickles, París, 2014:
Comencemos probando las aguas del desequilibrio psíquico entre el mercado y la economía, términos implantados en la mente de manera opuesta, pero que funcionan según las leyes más sutiles de la dialéctica astuta. El mercado es un lugar real, un sitio de trabajo sucio, donde nos remangamos y hacemos negocios humanos, como nuestros viajes rítmicos diarios al baño, pero en público con gracia social. Estamos constantemente en guardia sobre cómo aparecer o admitir nuestra asistencia al mercado porque es el demonio materialista implacable de lo cotidiano. No solo está frente a ti, sino que te contorsiona duraderamente: arrugas, pliegues, ceños fruncidos, las sonrisas rígidas que saludan a los clientes en las farmacias y panaderías. El dinero es el símbolo puro que oculta todo ese trabajo. Ah, pero la economía es etérea, abarcando caprichos a nivel sistémico demasiado intrincados para que los mortales los comprendan. Basta con decir que la economía sonríe o frunce el ceño sobre la tierra con sus escalas de equilibrio cósmico. Como fe, difunde su palabra y promesas, habilitadas por un siervo jorobado llamado mercado, con una ideología lo suficientemente fuerte como para conquistar y gobernar, extendiéndose en todos los dominios. Entre otros, existen economías estéticas, sexuales, economías de movimiento físico e incluso para la locura. Por lo tanto, podríamos decir que la economía es la locura más perversa de la metafísica, un ángel exterminador nacido de las cenizas de un dios muerto resentido.

¿Y si no existiese el Plan cósmico?
Qué burla, vivir en el exilio que nadie te ha impuesto.
Y exiliado de un sitio que no existe.
¿Y si el Plan existiese pero se te escabullera eternamente?
Cuando falla la religión, queda el arte.
Inventas el Plan, metáfora de lo incognoscible.
Una conjura humana también puede colmar el vacío.

Umberto Eco

Gaga se complace en presentar la primera exposición individual del artista Gill Hersom. Con el título Letual, las obras denotan su conexión con el mundo de la indumentaria, donde cada pieza se moldea como un objeto tridimensional, ofreciendo múltiples perspectivas y ángulos de aproximación. La exposición se sumerge en la concepción de la estrella desde diversas perspectivas. Letual es un adaptación al español de la palabra francesa ‘étoile’ (estrella), y se inspira en la dualidad que las estrellas representan: la esperanza y la inevitable condición de que todas las estrellas que observamos están destinadas a extinguirse.

Estamos viviendo un cambio de paradigma en nuestra espiritualidad. Tras décadas de un creciente movimiento hacia el ateísmo, nos encontramos ahora en la búsqueda de una espiritualidad. Como víctimas desvalidas de algún enorme error universal reconocemos que las religiones más tradicionales, como el cristianismo, nos han decepcionado, y encontramos entonces refugio en las tendencias más contemporáneas, en lo que hoy se considera un (mal entendido) espiritualismo New Age. Al mismo tiempo, estamos también redescubriendo lo que alguna vez fue considerado profano – el horóscopo, las cartas del tarot, los cristales y la metafísica. No es que estas prácticas no existieran antes, sino que en generaciones pasadas estaban inmersas en una espiritualidad más ligada a las reglas religiosas y menos enfocada en el desarrollo personal, tanto para uno mismo como para los demás. Hoy, en cambio, experimentamos una espiritualidad que, aunque conecta con una comunidad, se centra en el individuo. Creemos que, con las nuevas tecnologías, podemos avanzar hacia la mejor versión de nosotros mismos. Esta exposición encuentra así su inspiración en las estrellas, en la esperanza de que, a través de la lectura de las mismas podamos comprender nuestra búsqueda espiritual.

En este contexto, nos encontramos aquí ante un personaje mítico, una especie de guía espiritual que interpreta las estrellas y nos revela verdades profundas. Las piezas dispuestas en esta exposición, a forma de museo antropológico de una época futura postapocalíptica giran en torno a este ser que llega para enseñarnos algo. Descubrimos así un guía que luce un turbante, hecho de french terry -influencia directa del estilo callejero o “street wear”-, un peluche se transforma en un báculo, un objeto que ancestralmente ha representado la conexión entre lo divino y lo terrenal, y que suele asimismo desempeñar el papel de guía espiritual y protector en el camino. Los collares aquí actúan como amuletos para atraer la buena suerte, mientras que los dientes de animales, deliberadamente modificados con fines ornamentales, buscan trascender el tiempo. De este modo, la obra de Hersom forma parte de un museo que documenta la presencia de este ser.

Por el otro lado, a lo largo de la exposición nos enfrentamos constantemente a la figura de la estrella en el tarot, un símbolo de aquellas personas que están abiertas a la iluminación del espíritu. Un símbolo que inspira a los demás, y por lo tanto sirve a una causa superior. En el libro “La Vía del Tarot”, Jodorowsky argumenta que la lectura de las cartas constituyen un puente entre dos extremos, la intuición y la razón. Es intuición pero estructurada al máximo.

Partiendo de esta premisa, las diversas piezas que conforman Letual pueden verse como instrumentos que nos guían hacia la verdad, amuletos que se relacionan con saberes vinculados a las emociones, las percepciones y las corazonadas. En su texto “Profanaciones,” Agamben argu- menta que “sacrílego” era cualquier acto que violara o infringiera una especial indisponibilidad, reservada exclusivamente a los dioses celestiales (en cuyo caso eran llamadas “sagradas”) o infernales (simplemente “religiosas”). Profanar, por otro lado, significaba restituir las cosas al libre uso de los seres humanos. Gill profana, y nos proporciona entonces herramientas para el uso de todos. Combinando música, textiles y sus propias creencias, el artista busca ayudarnos a sobrellevar una realidad repleta de complejidades abrumadoras del presente. De este modo, los títulos de cada obra brindan una narrativa musical que da forma a este universo que comprende la realidad, el presente y el futuro.

Con un estilo informal, caracterizado por sus bordes ásperos y suaves al mismo tiempo, Gill se desplaza en las sombras y emerge de noche, encontrando en las estrellas un recordatorio constante de nuestra inevitable mortalidad.

Luisa Hernández

Estudiar la vía de Buda es estudiarse a sí mismo. Estudiarse a sí mismo es olvidarse de uno mismo. Olvidarse de uno mismo es ser aclarado por todas las cosas. Ser aclarado por todas las cosas es dejar caer el cuerpo y mente de uno mismo así como dejar caer el cuerpo y mente de todo lo demás.

-Dōgen, “Genjōkōan”

Empiezo mis Yoguinis recogiendo pedacería y apilándola en pequeños taburetes. Con el tiempo, la extiendo por el suelo, designando los nodos corporales clave. Como células madre embrionarias, los elementos se diferencian en los miembros, articulaciones y órganos de la figura en crecimiento.

Los restos son piezas de juguetes de madera, muebles y cascanueces figurativos de estilo alemán fabricados en China. A la vez tótems ancestrales pintados a mano y símbolos del consumo excesivo, muñecas y viejos espeluznantes, cascanueces como éstos son omnipresentes en EE.UU. He desmembrado la colección de mi familia y otros tantos procedentes de craigslist.

Utilizando espigas de madera para conectar los fragmentos, construyo figuras sentadas basadas en posturas del arte sagrado asiático. Los Yoguinis de mi exposición de 2022 Eminem Buddhism se basan en imágenes de feroces diosas hindúes: iconos de Chamunda, las yoguinis y la santa shaivita Karaikkal Ammaiyar. En los templos yoguinis de la India medieval, decenas de iconos con cuerpos envejecidos y jóvenes representan la naturaleza polifacética de Shakti, la gran diosa que personifica la energía en todas sus formas. Inspirada por el efecto acumulativo de esta proliferación, seguí produciendo Yoginis.

Alrededor del no. 20, empecé a meditar en un centro zen, impulsada por una mezcla de curiosidad y necesidad. Esta nueva experiencia se refleja en las posturas de meditación ortopraxis de varias de las nuevas figuras. Yoguini no. 26 se sienta en loto con la falda escocesa de un cascanueces gigante como zafu o cojín de meditación. Sus manos forman el mudra cósmico. Las cabezas de Pinocho marcan la columna vertebral como chakras. El Yoguini no. 25 se sienta en posición birmana, y su zafu es un gorro de piel de oso con joyas y plumas de cascanueces. Estos sombreros ceremoniales fueron ampliamente adoptados por los ejércitos europeos en el siglo XVIII, al parecer porque hacían que los soldados parecieran más grandes. Las piernas y la pelvis de color rojo brillante confieren solidez a la parte inferior del cuerpo: una base fuerte para la meditación. La parte superior del cuerpo está desmaterializada: sólo los pechos flotan como sobre zancos. El Yoguini no. 27 está sentado en medio loto sobre otro zafu de piel de oso. Una cabeza de Frankenstein con gorro de soldado remata la columna vertebral.

Los elementos militares contradicen la pureza ortopraxista de estas poses. Como yo, estas figuras son devotos del demonio: conversos monstruosos empapados de sangre. Incluso el no. 26, encaramado primorosamente sobre su zafu de tartán, está delicadamente construido hasta el punto de la fragilidad exagerada, el rostro impasible socavado por un embustero núcleo de cabezas de Pinocho sonrientes y de nariz larga.

Varios nuevos Yoguinis se sientan en la postura real, asociada al bodhisattva Avalokiteshvara en su manifestación china como Guanyin. En el Yogini no. 30, una pierna cuelga libremente, mientras que la otra está doblada, con un codo apoyado en la rodilla. El otro brazo está apoyado en el asiento, sosteniendo un torso relajado. Los pechos son racimos de uvas de madera; un sombrero de copa del Tío Sam sitúa la cabeza. Originalmente masculino, Guanyin puede adoptar cualquier forma para guiar a un determinado individuo hacia la iluminación; en algunas manifestaciones aparece como mujer o incluso como prostituta. Aunque las representaciones feminizadas de Guanyin suelen carecer de pechos, las uvas del no. 30 resuenan visceralmente con las estructuras anatómicas del pecho femenino: los lobulillos productores de leche familiares para cualquiera que se haya realizado un autoexamen.

El taburete del no. 30 es una versión más alta de un taburete de vaca -completo con ubres- que utilicé para el Yoguini no. 12. Por un lado es un guiño a los vehículos, a menudo animales, habituales en los iconos indios, pero cuando se combina con el sombrero del Tío Sam produce una serie de asociaciones discordantes: americano (¿tejano?), blanco, belicoso, patriarcal. La soltura real se registra como una dominación relajada.

Yogini no. 23 descansa a sus anchas en un alto taburete naranja. Su cuerpo está formado por trozos de una cabecera pintada de latón. Los pechos se elevan directamente desde la pelvis hasta ocupar un espacio en blanco bajo la curva de los hombros. Las mujeres budistas de la China imperial tardía utilizaban formas artísticas como la danza, los adornos y el bordado del pelo para conectar con el bodhisattva feminizado de la compasión. Dibujar a la deidad era una forma de devoción en sí misma y de hacer méritos. Hablando de un dibujo de Fang Weiyi, artista de la dinastía Qing y viuda devota, Yuhang Li explica que mientras que el “delineado de la figura representa el cuerpo meditativo de Guanyin… el vacío interior de la figura significa el estado de ánimo”.

A su manera torpe-elegante, el no. 23 también intenta delinear el vacío de la mente del meditador utilizando la forma vaciada de Guanyin. Supongo que yo también intento hacer méritos, ya que ciertamente no puedo vaciar mi propia mente. Hay un monje japonés del siglo XVII llamado Enku que es famoso por haber hecho 120,000 Budas. Se dice que para lograr esta hazaña hizo diez Budas al día. También caminó por todo Japón. Durante un tiempo me convencí a mí misma de que, por lo tanto, no habría tenido tiempo para meditar, y utilicé esta presunción para excusar mi falta de determinación. Al cabo de unos meses descubrí que realmente necesitaba sentarme. Humilde, he vuelto a la práctica.

Si observamos a los Yoguinis como grupo, se aprecia una continuidad entre lo fragmentario o simplificado y lo completo o elaborado. En ninguna parte es esto más evidente que en los Yoginis no. 17 y no. 18. Primero hice el no. 17, el más completo. Como tenía una silla idéntica, en el no. 18 recreé una etapa anterior, más sencilla. Algunos de los budas de Enku, los koppa-butsu o “budas chip” son “prácticamente palos con una sonrisa”. Por otro lado, el buda Seiryōji del siglo X, traído de China a Japón, tiene una cavidad que contiene un conjunto completo de órganos internos hechos de seda. Para mí, ambos enfoques son convincentes: el minimalista, en el que “el cuerpo y la mente desaparecen”, y el completista, que honra la complejidad de la experiencia corporal.

Compuestas de elementos reconociblemente dispares, estas figuras están en un sentido literal “realizadas por una infinito de cosas”. Piezas como las uvas de madera se leen simultáneamente como partes del cuerpo y mantienen sus identidades como fragmentos, encarnando la no dualidad de lo mundano y lo transmundano. Si los cascanueces que utilizo son kitsch devaluado, también son lugares de múltiples relaciones entre seres: hechos de partes del cuerpo de árboles, están pintados a mano por trabajadores de fábricas. Destinados a la vida festiva del capitalismo tardío, se convierten rápidamente en cargadas reliquias ancestrales. Me gusta imaginar que, al desmembrarlos, los libero de parte de este karma. Convertidos en cuerpos espaciosos y divinos, los iconos personales resultantes son índices de mi diálogo con el dharma.

Alejandro García Contreras, nacido en Tapachula, Chiapas, en 1982, vive y trabaja en Guadalajara, Jalisco.

Su obra se caracteriza por la experimentación y el diálogo entre diferentes materiales y recursos técnicos como la pintura, la escultura, la cerámica, la fotografía y el video. Creciendo en Chiapas, García Contreras explora ideas y temas inspirados en la cultura popular contemporánea, el folclore, la mitología, el ocultismo y la religión a través de su práctica artística. El trabajo de Alejandro indaga en el inconsciente, el erotismo y el deseo, proyectando códigos y símbolos que lo habitan.

García Contreras estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado ENPEG / La Esmeralda. En 2016, fue invitado al programa de residencia Casa Wabi y el mismo año inició el programa de residencia artística “Dedazo” en Carrillo Puerto, Chiapas. En los últimos años, su obra ha recibido reconocimiento a nivel mundial y ha sido exhibida en diversas galerías japonesas, europeas, mexicanas y estadounidenses, incluyendo Friedman Benda y David Castillo Gallery. En México, ha presentado su obra en espacios como el Museo de Arte Moderno, el Ex Colegio de San Ildefonso, el Museo Ex/Teresa, el Centro Nacional de las Artes, el Museo Universitario del Chopo, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, entre otros. Además, ha expuesto su trabajo en Estados Unidos, Suecia, España, Argentina, Holanda, Canadá, Inglaterra, Alemania, Suiza, Dinamarca, Irlanda, Italia, Japón, Colombia, Paraguay y Perú.

Espejo de todas las causas

Invitado a la sala de proyecto de nuestra nueva ubicación en Guadalajara, Jalisco, Alejandro García Contreras presenta una serie de nuevos espejos y cuadros vivientes de diversas mitologías. Estas piezas continúan la investigación simbolista del artista y, con suerte, servirán como amuletos de buena suerte para nuestro nuevo espacio.

Un avaro productor discográfico vende el alma de su sumiso compositor de música al diablo. A cambio, recibe hornos ocultos que pueden hornear pájaros recién nacidos en muñecas de madera que puedan cantar y bailar. Mitad humanos, mitad máquinas, talentosas humanoides que van vestidas a la moda por una mentora coreógrafa con una visión creativa única. Producidas en masa, trabajadoras y aparentemente intercambiables, cada títere tiene secretamente su propio corazón apasionado que sueña con volar. Están construidas para el escenario, pero el destino solo tiene un reflector.

A través de la pintura, el dibujo y los cómics, Julien Ceccaldi (nacido en 1987, Montreal, Canadá) retrata personajes en busca de amor y éxito. Inspiradas en los arquetipos de la tradición del manga Shoujo, sus historias se centran en relaciones personales y sentimentales que involucran a figuras andróginas. Siguiendo la línea entre lo tierno y lo mórbido, su obra representa las restricciones de la moda y la imagen pública.

Ceccaldi vive y trabaja en Nueva York. Ha participado en varias exposiciones en instituciones y galerías, incluyendo el Kölnischer Kunstverein, Colonia; el Consortium, Dijon; Mamco, Ginebra; Gaga, Los Ángeles y Ciudad de México; Jenny’s, Nueva York; y Lomex, Nueva York. Ha destacado en varias publicaciones, incluyendo Artforum, Frieze y Mould Map, y es autor de varios cómics de autopublicación.