Ethan Assouline

Lire dans la fin du monde (Reading into the end of the world), 2024
Lire dans la fin du monde (Reading into the end of the world), 2024

Personas, solas o en pequeños grupos, leyendo mientras el mundo se desmorona. Aún preguntándose si las palabras o el lenguaje pueden salvar el planeta. Absortos cómodamente en su actividad, reclamando tiempo libre, tratando de dar sentido al mundo o simplemente dejándose llevar.

Sex With The City, 2024

Un grueso libro ilustrado de gran formato se convierte en el lugar para un collage relacionado con una relación obsesiva con la ciudad y con la idea de ser perjudicado por su organización del tiempo, dinero y relaciones sociales. El mensaje aquí, sin embargo, es un desvío o reapropiación lúdica para sugerir el posible advenimiento de relaciones alternativas.

Nina Könnemann

What’s New, 2015

Un video, proyectado en una pantalla independiente, filma cómo los hombres desaparecen detrás de vallas publicitarias. Si no fuera por rápidos “reality checks/despertar a la realidad” – cortes abruptos donde somos llevados a los eventos o lugares reales anunciados – ni siquiera nos molestaríamos en considerar su contenido deficiente (comercial, cultural, político. Lo que está sucediendo alrededor y detrás de las vallas publicitarias, la manera en que los cuerpos las ignoran y las pasan por alto, apropiándose de una especie de brecha en el “espacio público” para convertirla en un urinario al aire libre, y la forma en que el dispositivo se duplica aquí, en su exhibición, es mucho más impactante.

Stroom, 2012

Video para sala designada de fumadores
Stroom fue presentado como parte de la muestra individual del artista en 2012 en Gaga, la cual trató, entre otros temas, con los lamentables residuos de espacios públicos – intermedios – en los que los fumadores han quedado para deambular desde que se prohibieron los cigarrillos en las aceras de los centros corporativos de muchas partes del mundo.
Stroom tiene la duración que tarda un cigarrillo en consumirse. Se presentó en una sala diseñada como un área especial para fumar dentro del espacio de la galería y funcionó como una ventana artificial, un lugar que de otro modo estaría ausente sobre el cual posar la mirada.
Tomas de tipo dron de turbinas eólicas y remolinos de humo se alternan. Algo en el ritmo y la edición resulta amenazador de una manera extraña. La animación por computadora del “arroyo” se siente tan resbaladiza e intensa como algunas de las imágenes generadas por IA más recientes. Y los loops de humo del cohete evocan todo tipo de proyectos megalómanos de naves estelares de la actualidad.

Matthew Langan Peck

PV trunk 2024
Fence 3, 2024
Press Pause 1, 2024
Player 2, 2024

Baúles y cajas, a la vez ruidosos y mudos, llenos y huecos, ocupan el espacio. Con su franqueza suave, las visiones y paisajes que los adornan -bañistas, exhortaciones a desaparecer, o más literalmente una cerca transparente sobre un cielo abierto- se asemejan a lo que uno experimenta al circular por el flujo aparentemente interminable de las redes sociales, y los espacios/mundos/fantasías/proyecciones que simultáneamente alimenta y regurgita de manera caleidoscópica. Transferidos y hechizados con pintura, y aunque representan lo contrario, las narrativas comienzan a encarnar e inscribir ideas de contención. Dar la vuelta a las obras para tratar de unir estas capas disonantes solo las hace más inquietantes: los baúles no se abren y los bordes de las cajas parecen separarse mientras que los paneles de madera de los que están compuestos no se encuentran. Combinadas con fantasías no resueltas -o ecuaciones de vida-, estos espacios y aberturas infra delgadas, como fallas, son donde residen las tensiones primarias de las esculturas. En la pieza sonora, grabada en español, aparece un narrador que especula sobre otras rutas de salidas.

Genoveva Filipovic

El Súper Elástico, 2024
6 drawings Untitled, 2024

Primero, hubo un dibujo (bolígrafo y pintura acrílica roja y azul sobre papel de un coche de carreras derritiéndose, transformándose en el paisaje por el que conduce. Luego, el deseo de intentar traducir esta visión fluida y bidimensional en un volumen y ver qué hace esa operación de materialización y transformación adicional en una escultura blanda. Han surgido tres variaciones sólidas y están encontrando su lugar en el espacio tridimensional de la galería.

Chung and Maeda

12 phorographs Untitled, 2014

En su exposición de 2015 en Gaga en México, Chung y Maeda presentaron una serie de fotografías tomadas en su exposición de 2009 Dead Corner [When Buffeted], en Isabella Bortolozzi en Berlín. Para esa muestra, dejaron vacío el espacio del siglo XIX de la galería, excepto por armarios triangulares voluminosos colocados en cada esquina de las salas de forma extraña. Estas piezas de mobiliario tradicionales y acogedoras parecían encajar tan perfectamente en el interior de época de paneles de madera oscura que casi eran absorbidas por el espacio, permitiendo que la galería se exhibiera a sí misma. Fragmento de « Rules, strategies and conventions; role-play, photographs and cupboards », Kirsty Bell, en Frieze, noviembre 2010.
Sin embargo, las fotografías de la serie presentadas no son vistas de la instalación. Y a través del acto de fotografiarlas, los armarios a-históricos, inicialmente desprovistos de cualquier propósito evidente, emergen como algo más que accesorios: los diversos ángulos, primeros planos a veces antropomorfizándolos, a veces evocando las interpretaciones de la vida secreta de los artefactos de Louise Lawler. Relleno vacío.

Antek Walczak

Bright Ideas Lightbox (Advil), 2008
Hurricane Bree, 2013
Hurricane Duane, 2013

Fragmento del comunicado de prensa de la exposición War Pickles, París, 2014:
Comencemos probando las aguas del desequilibrio psíquico entre el mercado y la economía, términos implantados en la mente de manera opuesta, pero que funcionan según las leyes más sutiles de la dialéctica astuta. El mercado es un lugar real, un sitio de trabajo sucio, donde nos remangamos y hacemos negocios humanos, como nuestros viajes rítmicos diarios al baño, pero en público con gracia social. Estamos constantemente en guardia sobre cómo aparecer o admitir nuestra asistencia al mercado porque es el demonio materialista implacable de lo cotidiano. No solo está frente a ti, sino que te contorsiona duraderamente: arrugas, pliegues, ceños fruncidos, las sonrisas rígidas que saludan a los clientes en las farmacias y panaderías. El dinero es el símbolo puro que oculta todo ese trabajo. Ah, pero la economía es etérea, abarcando caprichos a nivel sistémico demasiado intrincados para que los mortales los comprendan. Basta con decir que la economía sonríe o frunce el ceño sobre la tierra con sus escalas de equilibrio cósmico. Como fe, difunde su palabra y promesas, habilitadas por un siervo jorobado llamado mercado, con una ideología lo suficientemente fuerte como para conquistar y gobernar, extendiéndose en todos los dominios. Entre otros, existen economías estéticas, sexuales, economías de movimiento físico e incluso para la locura. Por lo tanto, podríamos decir que la economía es la locura más perversa de la metafísica, un ángel exterminador nacido de las cenizas de un dios muerto resentido.

Gaga se complace en presentar New Images, la tercera exposición de obras de Jay Chung y Q Takeki Maeda en la galería. New Images presenta trabajos recientes continuando el interés de los artistas en formatos conceptuales que podrían considerarse adecuados para el estado actual del arte contemporáneo con respecto a su propia historia y lugar en el mundo en general.

Las sectas milenaristas son grupos y movimientos religiosos, sociales o políticos formados con la expectativa de una gran transformación en la sociedad. Además del cristianismo primitivo, los cultos apocalípticos y el bolchevismo, los movimientos artísticos conocidos como la vanguardia histórica (por ejemplo: Dada, Surrealismo y Constructivismo) exhiben propiedades de milenarismo en la medida en que los artistas asociados con estos movimientos trabajaron en anticipación de un levantamiento radical de las normas y valores estéticos burgueses. Como es cierto para todas las sectas milenarias, las revoluciones de vanguardia predichas nunca se cumplieron. No obstante, los formatos artísticos y los principios desarrollados por la vanguardia fueron retomados por artistas posteriores, siendo reciclados en las obras de la neovanguardia durante la época de posguerra y nuevamente en el mundo globalizado del arte contemporáneo hoy en día.

Hay muchas formas en que las sectas milenarias lidian con el fracaso de sus predicciones. Display System: Suicide, Affirmation, Mediation (2018) divide el espacio de exposición de acuerdo con las designaciones de cada uno de estos: suicidio, afirmación y mediación. El primero, el suicidio, generalmente se asocia con cultos apocalípticos como el Templo de los Pueblos y la Puerta del Cielo, y es la más violenta de las tres respuestas. Pero no todas las sectas milenarias recurren a fines tan extremos. Otros proclamarán que su profecía se ha cumplido y simplemente afirman el estado actual de las cosas. En este segundo caso, el fracaso de su profecía se convierte paradójicamente en la principal evidencia de que la promesa ha llegado. La mediación, la tercera y más compleja de las respuestas, involucra un conjunto de textos especiales, rituales e instituciones cuyo propósito es manejar la disparidad entre la profecía y la realidad de su no aparición. Las predicciones concretas se convierten en metáforas, las acciones se convierten en rituales, y la secta se institucionaliza, difiriendo perpetuamente las expectativas a algún horizonte lejano.

De las tres secciones que comprende Display System, solo se utiliza una en la presente exposición, con el suicidio y la afirmación permaneciendo vacíos. En la pared de la tercera sección, mediación, los artistas presentan una serie de fotografías de tiburones, todos Sin título (2018). En la esfera del arte contemporáneo, el uso más conocido de la imagen del tiburón es The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, una supuestamente “impactante” escultura del artista Damien Hirst, que saltó a la fama a principios de la década de los noventa como parte de un grupo muy publicitado conocido como los Young British Artists. Podría decirse que la escultura de Hirst, difundida ampliamente en los medios de comunicación, es tan notoria que cualquier obra de arte contemporáneo con un tiburón o tiburones se vincularía inevitablemente con la de Hirst, incluso en la actualidad, independientemente del hecho real o conexión prevista. En las fotografías presentadas aquí, los tiburones son representados, vivos y nadando, en un tanque en un acuario público, el entorno más mundano en el cual los habitantes de la ciudad pueden ver al animal.

Jay Chung y Q Takeki Maeda viven en Berlín. Su trabajo ha sido exhibido en exposiciones individuales en Statements, Tokio; Essex Street, Nueva York; Galerie Francesca Pia, Zurich; 356 Mission, Los Ángeles, y Galerie Isabella Bortolozzi, Berlín, así como exposiciones colectivas que incluyen Not Quite Verbatim, Museo de Arte de Hessel, Nueva York; Travellers: Stepping into the Unknown, Museo Nacional de Arte, Osaka y Stories of Almost Everyone, Hammer Museum, Los Ángeles.

Incluso antes de la idea, el artista ya tenía el título de la pieza. Él escribía un ensayo sobre el trabajo de Robert Longo, y en alguna parte escribió que se trataba de la imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo. Era poético, todos las torpes Emes y Bes en él, y cómo trataban de explicar algo que no estaba allí, o estaba allí. Le gustaba la forma en que se hizo bubbada-bubbada-bubbada. Realmente se clavó en la mente.

Siempre miraba fotografías y leía historias sobre tiburones. Poseen este horror realmente poderoso.

Pensó que podía meter a un tiburón en una galería, porque no quería pintar uno, y no quería tener una caja de
luz Cibachrome, o una fotografía; si podía tener uno en un espacio, dentro de líquido, lo suficientemente
grande como para asustarte, para que sientas que estás allí dentro con él, que te podría comer, funcionaría.

Bajó al mercado de Billingsgate y le dijo al chico: “¿Ah, puedes traerme un tiburón?”
El tipo dijo: “Ah, sí, del tamaño que quieras”.
Él dijo: “¿Puedes conseguirme un tiburón de doce pies?”
“Sí”.

El pescador le dijo cuánto era por libra y pensó que lo había logrado. Pero después, le dijo que no podía conseguirlo, lo que realmente jodió al artista, porque había planeado ponerlo en una gran exhibición. También era un costo adicional para él ya que significaba que no podía venderlo.

Mirando un mapa, el artista anotó los nombres de todas la ciudades en la costa de la Gran Bahía Australiana. Después obtuvo los números telefónicos de las principales oficinas postales de las ciudades y comenzó a llamarlas una por una. Cuando alguien respondía les pedía que pusieran un cartel con su número en el que decía que quería un tiburón. El teléfono nunca dejó de sonar. Llamaba puro pescador loco de remate.

Había un sistema que el artista había utilizado cuando trabajaba como agente de telemercado en una compañía llamada M.A.S. Research, y se dio cuenta de que podía usar el mismo sistema para clasificar a los pescadores que lo llamaban desde Australia. Era algo así como: bien, tal vez, ligeramente posible, idiota, loco. Él les dio a todos una clasificación. Tanto el número del artista como el de su galerista estaban en el cartel. De repente estaba en la casa de su galerista bebiendo a las cuatro de la mañana, emborrachándose, y el galerista le decía, “Es un tipo de Australia”. Lo estrecharon aún más y más. Un día, un amigo del artista dijo que había oído hablar de un buen tipo en Australia, cazador de tiburones llamado Vic Hislop. Entonces, el artista y el galerista consiguieron cuanta información había sobre él. Al final, Vic Hislop fue el mejor, así que simplemente lo eligieron.

El cazador de tiburones dijo:
Mi hijo y yo hemos arriesgado nuestras vidas muchas veces, solos los dos contra el océano y los grandes tiburones. Hemos navegado en botes hundidos durante días y hemos sido arrastrados por la noche enredados entre las sogas. Cuando tenía trece años, el padre de mi amigo volteó su arrastrero y desapareció, junto con otros seis hombres. Dos días después, un brazo y una pierna aparecieron en la playa. Después de eso, decidí que tenía que aprender más sobre los tiburones asesinos.

Si quieres atrapar un tiburón, debes obtener la carnada adecuada. Yo uso mantarrayas, que son una delicia para un tiburón tan grande. Tengo muchas de ellas en el congelador. Una vez que el tiburón muerde el anzuelo, remolcará el bote, a veces durante horas. Es por eso que solo tengo un bote pequeño, uno pequeño de aluminio. El tiburón da vueltas y lucha hasta que está demasiado cansado para continuar. A veces puedes dispararles, pero no podía dispararle a los tiburones de Hirst porque quería que se vieran prístinos, así que los remolqué. Una vez que llegó otro tiburón y mordió al tigre, yo lo estaba remolcando y lo destruí. Ese fue un punto doloroso, a pesar de que Inglaterra todavía quería la cola. Estaba enorme ese hijo de puta.

Lo siguiente que se hizo, una vez que se regresó al tiburón a tierra, fue congelarlo, el contenido del estómago y todo. Utilicé ganchos y cuerdas para sostener al tiburón en posición de nado, y luego utilicé un destornillador para abrir las mandíbulas y exponer sus dientes. Los tiburones no tienen estructura ósea, así que deslice una gran pieza de madera por su boca hacia el estómago para sostener el cartílago y ponerlo en posición. Todo se congeló a menos veinticinco grados Celsius, envuelto en bolsas de plástico para evitar que el tiburón perdiera tamaño. Si no, probablemente perdería aproximadamente un quinto de su tamaño por deshidratación.

Yo solía preservar tiburones en formol hace treinta años. Hice una manguera de acero hecha de línea de freno y la llenaba cada doce pulgadas. Esa es la manera de hacerlo. Ya no lo hago porque un día estaba bombeando cuando estalló la línea y me roció los ojos. Fui al hospital y me inundaron los ojos con solución salina. Definitivamente he tenido experiencias casi-mortales.

Más tarde, el cazador de tiburones dijo que había enviado a Hirst un gran tiburón blanco que había guardado durante años en su propiedad en un congelador improvisado. Lo había atrapado antes de que el gran blanco se convirtiera en una especie protegida. Para pasarlo por la aduana, tuvo que demostrar la fecha de la matanza mostrando una foto de su hijo, de veintiséis años y en ese entonces de nueve años, posando con el tiburón. Ese tiburón se convirtió en The Immortal, expuesto en el Museo Oceanográfico de Mónaco. El espectáculo horrorizó a expertos en vida silvestre. Pero el tiburón había estado muerto y congelado hace tiempo. Él no había roto ninguna ley. Fue un trabajo bien hecho.

Cuando el artista comenzó su carrera quería ser pintor, pero no podía hacerlo. Un pintor debe comenzar desde un lienzo en blanco, esto lo jodía. Lo intentó todo para lograrlo, pero nunca pudo. Después de eso comenzó a hacer pequeños collages. Prefería más bien andar por la calle y encontrar pequeños objetos que ya estaban organizados y arreglarlos de maneras interesantes.

Los collages eran buenos, pero algo todavía se sentía mal. Pasó sus días deambulando, diciendo: “Tengo que hacer algo que sea sobre algo … Tengo que hacer algo que sea sobre algo …” Porque de lo contrario terminaría deambulando en el mundo del arte antes de entrar en él. Siguió pensándolo, repitiendo la misma frase, “Tiene que ser sobre algo importante”.

Cuando era muy joven, el artista quería saber sobre la muerte. Fue a la morgue. Ver los cuerpos lo hizo sentir enfermo. Pensó que iba a morir. Fue horrible, pero regresó, una y otra vez, hasta que estuvo lo suficientemente cómodo como para dibujar los cadáveres. El punto donde comienza la muerte y termina la vida, para él, en su mente, antes de que él visitara la morgue, estaba allí. Ahora él los estaba sosteniendo. Y ellos eran cuerpos muertos. La muerte se movió un poco más lejos.

No sabía de dónde venía la idea, pero un día se dijo a sí mismo: “¿Y si pasara un ciclo de vida en una caja? ¿Y qué pasaría si se tratara de una cabeza podrida, real, y tuviera moscas en ella? Era, por mucho, la mejor pieza en la que había pensado en su vida.

Más tarde, el artista conoció a Lucian Freud, quien se acercó a él y le dijo: “He visto la pieza de las moscas. Y creo que comenzaste con el acto final”.

No solo Lucian Freud lo había visto, sino que Francis Bacon también. El artista lo escuchó por teléfono desde su galería. La persona que lo llamó dijo: “No sé si esto es interesante para ti, pero Francis Bacon está aquí, y ha estado frente a tu pieza durante una hora”. No sabía qué decir. En realidad lo avergonzó un poco. En ese momento, pensó que probablemente lo mejor para él era minimizarlo.

El artista le contó a la gente en entrevistas que había visto las tales moscas mencionadas en una de las últimas cartas de Francis Bacon. Francis Bacon escribió, “Hola, bla, bla, no me siento bien, bla, bla, fue genial verte el otro día. Acabo de ir a la Galería Saatchi y vi esta exhibición de nuevos artistas británicos. Poco espeluznante, bla, bla. Hay una pieza de este nuevo artista “-el artista no recuerda si Francis Bacon mencionó su nombre-” y tiene una cabeza de vaca y un matamoscas y un montón de moscas y vuelan alrededor. Funciona de alguna manera. “¡Funciona! Es como decir: “Que bonito baño allá arriba, jala”. Fantástico, dijo el artista.

La pieza del tiburón y la pieza de la mosca fueron las piezas centrales de la gran exhibición del artista en la Galería Saatchi. Cuando exhibió la pieza de las moscas anteriormente lo hizo con la cabeza de una vaca de verdad. El lugar apestaba. La gente no entraba a la sala. La cabeza estaba podrida y tenía gusanos debajo de la piel. El artista dijo: “¡Déjenlo!” Pero la gente se estaba volviendo loca. Al final, tuvo que ceder. La sacó, casi vomitando. Pedazos de piel se estaban pelando, y la cabeza estaba cubierta de gusanos. Lo puso en un basurero y le prendió fuego. La cabeza se quemó hasta que se convirtió en una masa negra. Luego sacó la masa negra del basurero y la volvió a colocar en la vitrina, porque aún deseaba que fuera real. La sala apestó durante semanas.

El artista jugó con la idea de hacer un certificado para Saatchi, estipulando que tenía que tener una verdadera cabeza en la vitrina. Él quería una cabeza de vaca de verdad. El problema es que si tienes una cabeza de vaca real, nadie va y la mira. De eso estaba seguro. El artista pensó, “No voy a ahuyentar a todos fuera de la galería. Me interesa más atraerlos a la galería “. Eso podría funcionar. Entonces, ¿y qué si dicen, “cabeza falsa”? A quién le importaba, siempre y cuando pensaran que era real. Si no estaban seguros, a él no le importaba. Le hicieron una cabeza de vaca falsa, y pasó horas en la galería, llenandola de comida para perros, catsup, mayonesa y manteca de cerdo, cosas que comen las moscas. Todos preguntaron “¿Es real o no? ¿Qué diablos es eso? Nadie sabía, ni siquiera Francis Bacon.

Además de la pieza de moscas, Saatchi se había ofrecido a financiar cualquier otra obra de arte que el artista quisiera hacer. El resultado fue el tiburón tigre suspendido en formol en una vitrina, Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, que Saatchi compró por £ 50,000.

Después de que el artista vendió el tiburón, se dio cuenta de que era así de sencillo. Saatchi dice que lo quiere; lo facturan; alguien lo recoge. Una vez que le pones un precio a algo, realmente no decides quién lo compra. Si Saatchi lo quisiera vender, por otro lado, él tendría un problema. Y eventualmente lo hará, porque Saatchi vende todo. Le interesa el dinero, y esa es probablemente la razón por la que gastó todo ese dinero en la pieza de tiburón. Tiene toda esta obra, compró alrededor de seis piezas, incluso más, y luego piensa: “Si puedo pagar sesenta mil por una, todo esto sube de valor”. Entonces llega a un punto en el que ya no puede subir más, lo vende todo y encuentra a otro artista. Sin embargo, al artista no le importó todo eso.

Desde el principio, la gente le dijo que era un vendido. Hubo un artista que le dijo: “Te estás vendiendo a los pinches Saatchis. ¿Cómo puedes hacer eso, moralmente? Siempre fueron los “Saatchis” a pesar de que Doris, la esposa, había fallecido. El artista lo tomó en serio, al principio. Pensó: “Dios, la cagué. La cagué”. Había quedado atrapado en todo ese mundo. El artista tenía razón, él iba por esa ruta.

El caso es que Saatchi también compró una pieza del ético artista en su exhibición de graduación. Esto hizo que el artista se diera cuenta de que todo el tiempo él fue el único que perdió el sueño por ello. Al otro tipo simplemente no le importó un carajo. Pasó un año recriminandolo sobre eso, y luego, bang, se vendió de inmediato, así. No hubo discusión, nada. El artista pensó: “Aah, ya veo. Así está la cosa.”

Posteriormente, el artista ganó el Turner Prize, y vinieron los mejores dos años de su vida consumiendo drogas y bebiendo con su amigo Keith. Para él, todo era parte del arte. Fue una gran celebración. Todas las noches, cuando el efecto de las drogas desaparecía, en vez de cada quien irse a la cama, odiándose a sí mismo, sintiéndose como una mierda y queriendo suicidarse, él sentaba junto a Keith. “¡Esta es la mejor parte!”, decían, y se esforzarían por salir adelante y luchar. Las otras personas preguntaban si había más drogas, y el artista y Keith decían que no. La gente decidía mejor irse a s casa. “Pues, váyanse a su pinche casa”. “Nosotros no. Nosotros nos quedamos, el bajón es la mejor parte.”

Años después el artista comenzó a tener blackouts. Pensó que le era una buena idea mezclar sus tragos y no apegarse a solo una bebida. Pensó, ¿por qué no cocaína y alcohol? Se convirtió en un desastre balbuceante de la noche a la mañana. Caminaba por la mañana y la gente le decía: “Ayer hiciste tal cosa”, y él no se acordaba de nada.

El cazador de tiburones siempre supo del éxito del artista. Pensaba ¡que bien! cuando veía fotos de los tiburones que había pescado en todos los periódicos alrededor del mundo. No le importaba en cuánto se vendía la obra del artista. Tiene el nombre del artista en él. Él es el famoso. El cazador de tiburones tuvo que quitarse el sombrero. Por supuesto, los tiburones no durarían. Estaban destinados a la descomposición, y ni siquiera tomarían tanto tiempo. El formol no es una forma perfecta de preservación. La diferencia era que el artista no lo usaba para preservar su obra de arte para la posteridad. Más bien lo utilizó para comunicar una idea.

Hizo bien en recordarle a la gente lo que hay en las profundidades. Podría haber una persona en uno de los tiburones y nunca lo sabrías.

Cuando se murió Franzi mis hermanas y yo teníamos que ver qué íbamos hacer con sus cosas. No se como pero mis hermanas se desaparecieron y pusieron de pretexto que no tenían tiempo y que como yo me había mudado a la casa entonces yo tendría suficiente espacio para guardarlo todo. Yo les dije que no era como si yo viviera en un castillo. Tengo a Anni y a Marta. No es como que mi sótano fuera mas grande que el que ellas tenían en Munich. Por qué no lo tiramos todo? De hecho hay hasta compañías que se encargan de hacer ese tipo de cosas. Si, me dijeron, pero primero había que ver que rescatábamos. Yo les dije que no quería quedarme con cosas. Mi hermana nada más levantó los ojos. Al final todo acabó en mi bodega y estuvo ahí guardado un buen rato -años- tiempo durante el cual ni una de mis hermanas se paró a escoger lo que quería. Eventualmente Anni me empezó a hartar diciéndome que no había ningún lugar para guardar las bicis durante el invierno, que todo nada más estaba cubriéndose de polvo y que por qué no les marcaba a los de la basura ya para acabar con esto de una vez por todas. Esto me sonó muy razonable sólo que querían 500 euros para llevarse todo. Le dije al señor por teléfono que todo estaba en un mismo lugar. Entonces me dijo que para la chamba necesitaría dos hombres y la van, y en una de esas hasta un camión. Le dije que estaba loco. El me contestó que por qué no escogía lo mas valioso de entre las cosas y lo vendía por Ebay. Y con eso no solamente sacaría dinero para pagar la mudanza sino que también habrían menos cosas que llevar y eso reduciría todavía más el costo. No era mala idea. Colgué y bajé al sótano a revisar las cosas de Franzi, todo tendido bajo una capa de polvo. Ella había guardado todo lo que le había regalado mi mamá y además un buen de cosas medio rotas que jamás se iban a vender. Todos los utensilios de cocina no valían nada. Toda la ropa era de catálogo. Después de un rato decidí que a lo que había que apostarle era a los muebles. Podía sacarles fotos ahí mero sin tener que arrastrarlos hacia arriba y así tampoco tendría que meterme a usmear a ver que más encontraba. Su mal gusto me trajo muchos recuerdos. Le saqué foto a una mesa que podría usarse como escritorio y a unas sillas de madera que no estaban en tan mal estado. Luego encontré algunas joyas que también fotografié. La mesa la vendí como por 70, las sillas ni por un euro salieron, y la joyería se fue por unos míseros 10 euros. Tenía que bajar de nuevo a echarme un segundo round. Esta vez encontré cosas más pequeñas y finalmente el esquinero. Esta vez le pedí a un amigo que apostara con su cuenta de Ebay porque si se iba a vender por 10 euros entonces no valdría la pena encontrarme con el comprador y hacer toda la transacción. Esto era de recogerlo en persona para que así no lo tuviera yo que empacar ni llevarlo a la oficina de correos, pero pues de todas maneras. Entonces con mi cuenta y con la de mi amigo alcanzamos a que la cifra subiera hasta 68 euros. No le seguimos subiendo porque tampoco queríamos quedárnoslo. Siento que era más que justo dejarlo ahí. Pagó en línea y lo único que quedaba era que fuera a mi casa y conocerlo. Le hice saber que era medio grande y que debería traer a alguien para que le ayudara a cargarlo (no le tenía que decir esto porque tampoco pesaba tanto y se le podía quitar la puerta de cristal y así se podía cargar más fácil aunque fuera un poco más estorboso). Unos días más tarde llegó en una camioneta rentada cubierta de publicidad color verde. No estaba muy difícil adivinar que era él. Acá en las afueras sabes qué tipos de autos andan por la calle, y ésta pues ni siquiera llegaba a eso. Pero de todas formas sabía que era él. A través de la ventana de la cocina vi como se estacionaba. Era joven, chino, o más bien vietnamita. O quizás tailandés. Estaba bien flaco entonces supuse que le iba a tener que ayudar a subir el mueble a la camioneta. Cuando abrí la puerta me explicó quien era el en un alemán terrible. Lo guié hasta el sótano y le enseñe el esquinero de Franzi. Aquí está, le dije. El abrió la puerta del mueble y lo revisó. Me daba miedo que no se lo fuera a llevar y le expliqué que los rayones se podían cubrir con un poco de cera. Me dijo que no le importaba. Y luego dijo otra cosa en alemán pero ahí si no le entendí nada.

“In this world nothing can be said to be certain, except death and taxes.”
Benjamin Franklin

“Death, taxes and childbirth! There’s never any convenient time for any of them.”
Margaret Mitchell’s, Gone With the Wind, 1936.

First the notion of persona, from the Latin personare, which meant to resonate. It was the mask used by actors, then it became the actor’s role itself, latter it become an individual from the human race. The one who in real life represents a function, and who exists till the time of his death.

Next artificial person (from the latin persona ficta and moral person in Spanish), or even legal personality, a non-human entity regarded by law to have the status of a person, an apparent subject that hides the real ones. It exists only after the jurisdictional act of constitution and its life can exceed that of the physical persons that constitute it.

And then a question, what and how should I declare as either a physical or a moral person, in the routine of the annual summer group show? Past performances, portraits, bodies, and long-term projects, fictional characters and Corporations… For those who declare and those who choose not to. For those personas that are moral and those who are immoral and even those who do not exist.

Fernando Mesta
Junio 2010, Mexico D.F.

La última vez que Jay Chung y Q Takeki Maeda visitaron México, comenzaron a trabajar en Hardy Boys y Gilmore Girls. Esta serie de instalaciones, mezcla de puesta en escena teatral y convención visual, surge de un aumento en las narrativas típicas empaquetadas para la cultura media, entre ellas un episodio de una serie de novelas para jóvenes lectores sobre detectives adolescentes, una bolsa gigante de Louis Vuitton convertida en un auditorio para contar la historia de la vida del fundador de dicha compañía y un intento de script para una serie recientemente cancelada sobre tres generaciones de madres e hijas en un pueblo de Nueva Inglaterra donde se desarrolla la historia.

Mas aún cuando la acumulación y polifonía de Hardy Boys y Gilmore Girls hubiera hecho sentido para esta exposición en Gaga, Jay + Q han decidido mostrar una nueva serie de fotografías llamada Outtakes and Excerpts, que se traduciría algo así como, descartes y extractos. Las ocho fotografías que se exhiben muestran individuos, parejas o grupos de personas, sin embargo la cámara de la serie tiene un solo objeto de interés, sus cándidas y sinceras sonrisas. La serie filtra la vida de la ciudad de acuerdo a una simple y directa división binaria, si uno sonríe o no. En este sentido Outtakes and Excerpts traza sus paralelos con otras obras tempranas de Jay + Q, contextualizando desde posiciones y relaciones espaciales contra un fondo de normas y procedimientos habituales.

Irónicamente esta idea particular se ha usado ya como instrumento de vigilancia. El software de reconocimiento facial ofrecido a los consumidores a manera de “detector de sonrisas”, es el mismo que la policía de Londres usa para detectar guiños y gestos, detectar a quien frunce el ceño y aislar así a aquel que puede presentar una amenaza. Visto en esta luz, el trabajo apela no solo la división binaria sino a su relación inversa …. Malhechores ficticios intentando a como de lugar mantener sus falsas expresiones. Y sobre todo el axioma en el cual todo este biopoder descansa día a día al punto que se vuelve irrelevante: en el a veces desolado vacío de la esfera pública, uno está en el centro de su propia vida, aún perdido en su anonimato.

La muestra también incluye un nuevo video de Nina Könnemann, Müll (2009).

Jay Chung (1976, Madison, WI, EUA) Y Q Takeki Maeda (1977, Nagoya, Japón ), se conocieron en la escuela de arte en Frankfurt y comenzaron su colaboración en 2001. Previo a esto, Chung había obtenido su licenciatura en la Universidad de Yale y Maeda por su parte en la escuela Musashino en Tokio. Su obra, colaboraciones ambiguas e impredecibles que parten de una sospechosa mistificación o incluso de una verdadera mentira, ha sido mostrada en el Kunstmuseum de Basilea, Suiza, Castillo Corales, Paris Francia, Isabella Bortolozzi, Berlín, Alemania, Laboratorio de Arte Alameda, México D.F., México, en el MAMbo de Bologna Italia y en el ARC /Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Francia entre otros.

Nina Könnemann (1971, Bonn, Germany) trabaja en Berlín. Expuso recientemente en Portikus, Frankfurt, GR, Kunstverein Graz, AT, TPW Gallery, Toronto, CA, y al principio del próximo año and at the beginning of next year will be showing a program of her videos at the Museum of Modern Art, New York.